la imposición de la casulla a san ildefonso - Velazquez

date: 1617-1623

se usa claroscuro y realismo para pintar la virgen maría como un santo. La virgen María es una modelo, una mujer sevillana. El santo es un sacerdote de la ciudad. La escena celestial, los ángeles en el cielo, están representados en una mancha borrosa, poco definida, como si el pintor huyera de lo que no pertenece a la realidad.

Cristo en casa de Marta y María - Velazquez

Date: 1617-1623

bodegón! El 70 % del cuadro, el primer término, nos muestra a una mujer mayor y a otra joven trabajando en la cocina. Otra parte es la escena de Cristo con María. 

La Mulata - Velazquez

1617-1623

 primer término a una esclava mulata trabajando en la cocina. bodegón

El Aguador de Sevilla - Velazquez

1617-1623

La pista nos lo da el interior de la copa, que además de agua contiene un higo. Algunos atribuyen al higo un sentido sexual o bien de la experiencia de la vida, que pasa del personaje de mayor edad al joven, mientras que el de mediana edad ya está disfrutándolo. 

La vieja friendo huevos - Velazquez

1617 - 1623

bodegón y claroscuro

Velázquez refleja exactamente la textura de los distintos materiales del bodegón: metal, cristal, alimentos. La escena del primer término está intensamente iluminada en contraste con la oscuridad del fondo. Los personajes no se miran entre ellos, parecen desconectados, incomunicados.

El retrato de Sor Jerónima de la Fuente - Velazquez

1617-1623

una monja carmelita que embarcó en Sevilla para evangelizar en Filipinas es uno de ellos. Se trata de un retrato muy realista que además del aspecto físico refleja un profundo estudio psicológico, nos transmite la fuerza, determinación y fe de la retratada

Retrato de Don Cristóbal Suárez de Ribera - Velazquez

1617 - 1623

Se trata del padrino de bautismo de Juana Pacheco, la mujer de Velázquez. El pintor hizo este cuadro para la tumba de Cristóbal.

Retrato de Francisco Pacheco - Velazquez

1623

El último cuadro de la época sevillana. Parece que fue un regalo a su mujer Juana Pacheco para que recordara a su padre en la lejanía, tras su mudanza a Madrid.

Luis de Góngora - Velazquez

1623

le abra a Velázquez las puertas del Palacio Real. El sevillano conde-duque de Olivares, ministro principal del rey Felipe IV hace llegar ese retrato al círculo del rey. El rey, que conoce personalmente a Góngora, se admira del parecido de la pintura con el modelo y manda llamar a Velázquez a Madrid convirtiéndolo poco después en su pintor de Cámara

Adoración de los Reyes Magos - Velazquez

1617 - 1623

claroscuro, su familia en la pintura

Algunos autores señalan que la virgen María podría ser su esposa, Juana Pacheco, y el Niño Jesús sería en realidad la hija de ambos, Francisca. Velázquez, su suegro Francisco Pacheco y un esclavo negro de la casa podrían ser los tres Reyes Magos. San José podría ser el hermano del pintor. El pastor que aparece al fondo es un personaje que aparecerá frecuentemente en otras pinturas. Al margen de la anécdota, en este cuadro el pintor presenta algunos rasgos técnicos muy avanzados e innovadores. El claroscuro se revela como una herramienta para dotar de profundidad a la composición.

La Cocina de los ángeles - Murillo

Segunda parte del siglo XVII

Cuenta la historia de Fray Francisco, un monje que estaba encargado de las labores domésticas propias de la cocina. Muestra a Fray Francisco en levitación durante la oración mientras que los ángeles están las tareas domésticas que él debía hacer. Bodegón y claroscuro 

La muerte de Santa Clara - Murillo 

Santa clara junto a san francisco es la fundadora de la rama femenina de la orden franciscana. La escena de la muerte es muy oscura, y alrededor de la santa hay muchos frailes franciscanos. Cristo, María y un grupo de santas que portan palmas asisten a la escena. Podemos ver la diferencia entre la alegría de los que la reciben en el cielo y la tristeza de los que la despiden en la tierra: representa la psicología de los sentimientos 

Santa Justa y Rufina - Murillo 

Son las protectors de la ciudad y tienen la giralda en sus manos y una palma, que representa que son santas. 

San antonio con el niño - Murillo

Debemos relacionar la figura de los santos relacionándose de manera afectiva y cercana con el Niño Jesús como un guiño a los novicios de la orden que muchas veces ingresaban huérfanos en el convento con muy corta edad sustituyendo el referente paterno por la devoción a este tipo de santos

la virgen de la servilleta - Murillo

la virgen con el niño que, según cuenta la leyenda, el pintor plasmó en una servilleta que usó como lienzo

la Aparición de la virgen al patricio Juan - Murillo

cuenta la historia de un ciudadano romano al que durante una siesta de verano junto a su esposa se le aparece la virgen María. Esta le comunica que quiere que se le construya un templo en el monte esquilino de roma y que para señalar el lugar exacto obrará un milagro. 

El patricio juan cuenta el milagro al papa - Murillo 

la virgen ha obrado el milagro de hacer nevar en el monte esquilino en pleno mes de Agosto y el pontífice organiza una procesión al lugar donde se levantará la basilica de santa María la Mayor o santa María la Blanca a la que está adscrita la iglesia sevilliana 

La multiplicación de los panes y los peces - Murillo 

Está en la hospital de la santa Caridad. Se relaciona con la obligación de los hermanos de la caridad de dar a los pobres alimento y bebida 

La vuelta del hijo pródigo - Murillo 

hospital de la caridad 

está relacionado con el pasaje bíblico de dar vestido a quien no lo tiene 

Cristo cura al paralítico de la piscina de Jerusalén - Murillo

Hospital de Caridad 

un símbolo del cuidado de los enfermos que aún hoy desarrolla esta institución

San Pedro liberado por el ángel - Murillo

Hospital de Caridad 

nos muestra la obligación de visitar a los presos en las cárceles

abraham da posada a los ángeles - Murillo

Hospital de la Caridad 

alude a la recomendación de acoger a los extranjeros.

Santa Isabel de Hungría - Murillo

Hospital de Caridad 

La Inmaculada Concepción - Murillo

Segunda parte del siglo XVII

El acompañamiento de ángeles y querubines, las flores de azucena (símbolo de pureza), la escena de rompimiento de gloria, la corona de estrellas o el símbolo de la luna (relacionando el ciclo lunar de 28 días con el ciclo menstrual) serán otros de los atributos más recurrentes.

Niño despiojándose - Murillo

Escenas populares 

Niños comiendo uvas - Murillo

Mujeres en la ventana - Murillo 

la mirada descarada de la joven tiene una cierta connotación erótica, parecen querer atraer al espectador, que es un potencial cliente. Este cuadro influye mucho en la pintura contemporánea inspirando a Manet y a Goya.

Adoración de los pastores - Josefa de óbidos

las primeras obras de josefa como pintora religiosa

éxtasis de santa teresa - Josefa de óbidos

tiene un sentido místico en el que Josefa representa escenas siguiendo la tendencia del claroscuro y el uso de la luz. Fue la obra que representa su independencia. 

Bodegones - Josefa de óbidos 

da un realism plagado de pequeños detalles que tiene una conexión directa con el arte sevillano de su infancia y con pintores como Francisco de Zurbarán.

San Juan Bautista - Josefa de óbidos 

expresa barroca rica, alegre, feliz que Josefa había aprendido en España

el cordero pascual - josefa de óbidos

expresa barroca rica, alegre, feliz que Josefa había aprendido en España

Caridad y Ciencia - Picasso

Demuestra su habilidad y técnica. Fue de su infancia más o menos 

El viejo judío - Picasso - Azul - 1900-1904

Es una escena triste, que nos muestra debilidad y miseria. La mirada perdida, sin comunicación visual entre ambos, un fondo completamente desnudo y pobre.

El ciego de la guitarra - picasso - azul - 1900-1904

Familia a la orilla del mar - picasso - azul - 1900-1904

un fondo marítimo. El mar adquiere un sentido simbólico. Un límite que no les permite huir, el mar no les deja escapar de su trágica realidad. No existe comunicación entre los personajes. El padre adquiere un gesto de extremo frío. El niño muestra un gesto de explicación.

Madre y niño junto a barca - Picasso - Azul - 1900-1904

el niño y la barca simbolizan la esperanza de un mundo mejor. También la flor roja que sostiene la madre, que muestra una gama de color más cálida y diferente

La vida - picasso - azul - 1900-1904

Una pareja desnuda se abraza, en el otro extremo una mujer con un niño en brazos. El niño parece el fruto del amor de la pareja. La protección que proporciona la familia respecto al dolor y la tristeza del mundo exterior. En el centro figuras abrazadas y una mujer en posición fetal, acurrucadas para protegerse. Inician la desmaterialización que propondrá años después con el cubismo. Hay teóricos que sostienen que la pareja representa a Carlos Casagemas y a su amante Germaine. Ellos eran incapaces de tener hijos, por eso señalan a la figura que representa la maternidad. La impotencia de él Adrián Yánez Romero Web: adrianyanez.es E-Mail: adrian@sevilla.es Andalucía, tierra de genios – CIEE Sevilla 17 provocó una discusión en la pareja que acabó con el suicidio del mejor amigo de Picasso

La Planchadora - Picasso - azul - 1900-1904

Muestra a una postura contorsionada, dolor en el sacrificio de la mujer, que trabaja de sol a sol.

La familia de saltimbanquis - Picasso - Rosa - 1905-1906

familia de circo. Parecen mirar por última vez el lugar donde han estado antes de emprender nuevamente el camino hacia un lugar desconocido.

Las señoritas de Avignon - Picasso - Cubista - 1907

Primera pintura de cubista. Se refiere a las prostitutas de la calle Avignon de Barcelona, uno de los burdeles más famosos de la época. 

Tocadora de Mandolina - Picasso - Cubista - early 1900s

Tres músicos - picasso - cubista - early 1900s

aquí si hay color. Intuimos los instrumentos musicales porque representa una especie de partituras o notas musicales.

El guernica - picasso - cubista - 1937

demuestra la guerra civil en civil y los efectos de la bomba en país vasco. El toro y el caballo son, sin duda los símbolos más hispanos. Quizás compara la Fiesta nacional (el toreo) con la guerra. La guerra no solo daña a la humanidad, también a la propia naturaleza. Usa una luz, o bombilla, como un juego con palabras. 

Regresó a Madrid en 1981.

La Venus de Itálica - busto 

Esta escultura fue descubierta en el pueblo sevillano de Santiponce, asentado sobre la antigua ciudad romana de Itálica. Es una escultura del siglo II d.C. de la época del emperador Adriano. Fue descubierta en 1940 en el subsuelo de una casa familiar. Solo se conserva el cuerpo de la diosa, a la que se adhieren otros elementos que imitan los paños de una túnica de la que se desprende. 

Busto del emperador Adriano - busto

 Nos llama la atención la sofisticación del peinado rizado del emperador. Adriano puso de moda la barba, que hasta el momento había sido poco usual en Roma. El retrato nos deja ver la lujosa túnica del emperador atada con un broche (con la cabeza de Medusa) sobre un hombro. 

Sarcófago del Alcázar de Córdoba - Relieve 

El sepulcro sirvió para acoger los cadáveres de un matrimonio de ricos ciudadanos romanos cordobeses. Esto nos muestra un cambio en las costumbres funerarias de los hispanorromanos. Hasta el momento había sido común la incineración de los cadáveres, pero por influencia de la aparición del cristianismo, a finales del imperio se ponen de moda los enterramientos en ricos sarcófagos decorados con ricas esculturas. 

portadas del Nacimiento y del Bautismo - Lorenzo de Breteña - 1458ish

Usa terracota o barro cocido. Las jambas (o laterales) de las puertas tienen 12 esculturas de bulto redondo (exentas) en las que representa a diferentes santos. En el tímpano, o espacio central sobre la puerta, dispone dos relieves: uno dedicado al Bautismo de Cristo y otro a la Natividad o Nacimiento de Cristo. 

Cristo de la Clemencia o de la Misericordia - Juan Martinez  Montañés - 1603 - cristo

Es un Cristo vivo, a punto de morir, pero no expresando por ello drama, sino serenidad y majestuosidad. Mira hacia abajo, solo puede verle los ojos una persona que se arrodille a sus pies.

san Ignacio de Loyola y san Francisco de Borja - Juan Martinez Montañés - 1609

san Jerónimo Penitente - Juan Martinez Montañéz

muy influido por la obra con el mismo nombre del escultor renacentista Pietro Torrigiano. Es una escultura en bulto redondo (exenta) que los monjes utilizaban para pequeñas procesiones claustrales (en el claustro o patio principal del monasterio). Muestra al santo semidesnudo martirizándose con una piedra sobre el pecho. Estudio anatómico muy realista. Es un cuerpo muy enérgico a pesar de su ancianidad. 

Nuestro Padre Jesús de Pasión - Jose Martinez Montañés

procesiona en la Semana Santa de Sevilla. Se trata de un nazareno, es decir, representa a Jesús portando la cruz, camino del Calvario. Se trata de una escultura “de vestir”, es decir, solo están anatomizados cabeza y manos. El resto del cuerpo, también en madera, se construye a base de formas geométricas que no tienen aspecto humano, al estar tapadas por la ropa.

Nazareno, madera

La Cieguecita - Juan Martinez Montañés 1600s

La inmaculada concepción. Contrasta la intensa movilidad del vestuario (que demuestra poder y triunfo) con el estatismo de la figura humana, (que refleja serenidad, candidez y pureza). 

Nazareno del Gran Poder - Juan de Mesa - 1625 - Nazareno 

Es heredero del nazareno de Pasión, hecho por su maestro. Muestra sufrimiento, aunque no dramatismo, da la idea de que acepta voluntariamente y resignado su castigo. El rostro, muy oscuro por el paso del tiempo, transmite un gran patetismo y dolor. Muestra una zancada (paso largo) que transmite movimiento. El cuerpo está encorvado por el peso de la cruz. Para transmitir más dolor una espina de la corona le atraviesa la ceja

Cristo de la Buena Muerte (1620) - Juan de Mesa

 nos muestra a Cristo muerto en la cruz, con gran serenidad y austeridad, sin corona de espinas. Es un Cristo de tres clavos, que entronca con la influencia del Cristo de la Clemencia de su maestro Martínez Montañés, aquel con tres clavos. En el año 1983, al ser trasladado el Cristo desde la Universidad hasta la iglesia de la Anunciación, se desprendió la cabeza de su ensamble al cuerpo; con esta ocasión fue encontrado un documento donde se confirmaba la autoría y fecha de la obra: Juan de Mesa, año 1620. Tiene un sudario o paño de pureza muy aparatoso y con mucho movimiento. Es muy realista en detalles anatómicos típicos en una persona recién fallecida y los ojos entreabiertos.